Por Juan Villa

El billetero (1951) de Rafael J. Sevilla, es un drama que aborda varios temas, entre ellos, los retos de la migración de personas a la ciudad de México, las injusticias sociales y la eterna ilusión de recuperar a un amor perdido. Se trata de una familia que apenas comenzaba a formarse pero que fue separada por la maldad de un individuo. El reencuentro pudiera ocurrir años después gracias al destino de un billete de lotería.

 Vemos el personaje de Lupita (protagonizada por la actriz Esther Fernández) una humilde mujer que guarda la esperanza de reencontrarse con Pedro (representado por el actor David Silva), su esposo desaparecido.  Lupita trabaja en el icónico mercado de la Lagunilla, vive sola con su hijo el “chiquilín”, quien se dedica a vender billetes de la lotería por las calles de la ciudad de México. Su comadre le aconseja que busque una pareja, pero ella está determinada a esperar a su amado esposo. Han pasado doce años sin saber de Pedro. Lupita le cuenta a su comadre cómo ella salió de su pueblo para venir a buscarlo a México.

Lupita se casó con Pedro en un pueblo sin saber que éste tenía un pequeño recién nacido. La madre del bebé murió en el parto. Pedro es un carpintero humilde y trabajador.  Su padrino de bodas es Marcos Aguirre, quien será el personaje antagónico en la película. Marcos figura ser una persona buena para estar cerca de la pareja, pero es un criminal estafador que busca aprovecharse de Lupita. Intenta abusar de ella y por despecho, una noche les quema su humilde vivienda. La familia sale ilesa del incendio, pero han perdido todas sus pertenencias. Es así como Pedro finalmente se da cuenta de la maldad de Marcos. Viaja a México para buscar venganza. Al encontrarlo en una cantina se pelean violentamente y a causa de ello, Pedro pierde la memoria. Lupita y el pequeño dejan su pueblo para venir a buscar a Pedro a la ciudad. No será una tarea fácil, Lupita vive con carencias económicas que le impiden sacar adelante a su hijo.

La película comienza con escenas donde vemos a Chiquilín vendiendo billetes de lotería por las calles de la Ciudad de México.  Chiquilín sobrevive en las calles de la ciudad y a pesar de la falta de un padre, es un niño trabajador que muestra valores como la humildad y la honestidad. Desde los créditos iniciales vemos tomas de la zona urbana de la ciudad. Incluso, el edificio de la Lotería Nacional, augurando el tema los billetes de lotería. Una de sus principales adversidades que tendrá que sortear Chiquilín será el acecho de una padilla de jóvenes de su edad que lo persiguen y lo acosan constantemente. De esta manera la película muestra los peligros que enfrentan los niños que trabajan en las calles. Esta temática ha sido terreno fértil para la industria del cine de esa época. En su tesis: Jóvenes marginados en el filme perfume de violetas. Nadie te oye (2000) de Maryse Sistach, Lizbeth Iris Moreno, afirma que a finales de los años 40 y los 50:

“se realizaron películas en las que se representaban elementos de delincuencia juvenil como Ángeles de arrabal de Raúl de Anda y Cuatro contra el mundo de Alejandro Galindo. Asimismo, los jóvenes estuvieron presentes en algunos filmes sobre pobreza, explotación infantil y niños de la calle, los cuales se caracterizaron por sus historias melodramáticas cargadas de moralina, como Nosotros los pobres (1947) y Ustedes los ricos (1948) de Ismael Rodriguez” (7).
 
 
Además de la temática de los niños de la pobreza, en El billetero podemos apreciar la continuidad de otros estereotipos en el cine mexicano. En el caso del personaje de Pedro, vemos a un carpintero trabajador víctima de la desgracia. Pedro al igual que “Pepe el Toro”, interpretado por Pedro Infante en Nosotros los Pobres nos permite construir a un personaje con un oficio del pueblo que se identifica con miles de los espectadores mexicanos. El personaje del carpintero incluso, lo podemos ver en la comedia de Mario Moreno “Cantinflas” en la película El Analfabeto (1961) de Miguel M. Delgado. En el caso del papel antagónico, lo mismo ocurre con el papel de Marcos, a quien la policía también lo conoce como alias zopilote. Desde las escenas primarias, el zopilote seduce a la esposa de Pedro, les quema su humilde casa y huye con el dinero de otros. Mas adelante nos damos cuenta de que un fugitivo de la ley.  La policía ya lo investigaban por fraude, extorsión y otros crímenes. Los estereotipos para robustecer el personaje del zopilote aumentan a lo largo de la trama pues siempre viste de negro, fuma constantemente y golpea a las mujeres y a los niños. El zopilote le quiso robar la mujer a Pedro, fue el causante de la pérdida de su memoria y al final de la trama su consigna es robarle su billete de lotería cuando se entera que ese es el boleto ganador de millones de pesos. Marcos hacer honor al sobrenombre de zopilote. Se comporta como un ave de rapiña, como un depredador.
 
En El billetero, un boleto ganador de un millonario premio pudiera ser la tabla de salvación para Pedro y sus seres queridos. Es el codiciado objeto que produce ambición, envidia y violencia, pero irónicamente es también la vía para recuperar la felicidad de una desunida familia.  Al igual que La perla (1947) de Emilio “Indio” Fernández, el boleto se convierte en factor de felicidad y desventura. Chiquilín vende un billete de lotería a un hombre desconocido sin saber que eso le traerá la fortuna.

Por Juan Villa

Raíces de sangre (1976) de Jesús Salvador Treviño es una de las primeras películas del cine chicano que se destacan por representar las injusticias que sufren los trabajadores de las maquiladoras de la frontera entre Estados Unidos y México. Sus personajes de ambos lados de la frontera buscan unidad y apoyo para hacer frente a los abusos de los dirigentes de las fábricas de costura y producción de ropa. La película nos deja claro que, lograr una comunión entre las comunidades mexicanas y chicanas, no será una tarea fácil. Más bien, habrá que librar batallas y hasta derramar sangre. Además, se suma la tragedia de los inmigrantes que buscan cruzar la frontera de manera indocumentada en busca de una vida mejor. 

La historia de Raíces de sangre no comienza con una estructura narrativa lineal. En las primeras imágenes intercaladas con los créditos iniciales vemos la llegada de un viejo camión a las orillas de una carretera cercana al poblado de fronterizo de Socorro, Texas. De esta manera, Treviño nos invita a lo que será una retrospectiva del filme. Vemos como un hombre sin rostro aparece en la escena limpiando huellas dactilares de las puertas del camión.  Abre el candado de las puertas posteriores del vehículo y huye del lugar. Tiempo después llegan dos patrulleros norteamericanos y al abrir las puertas descubren un crimen atroz:  un grupo inmigrantes muertos por asfixia abandonados por los coyotes. Minutos más tarde la radio da a conocer la noticia de que once personas fueron encontradas hacinadas dentro del camión. Entre los fallecidos había mujeres, hombres y niños.  Los detalles, imágenes y desarrollo de esta escena quedarán congelados hasta a casi el final del filme. 

Las siguientes secuencias de la película nos traslada a una fábrica de costuras de la compañía Morris donde decenas de personas trabajan haciendo ropa. Algunos trabajadores comienzan a unirse para hacer un frente a las injusticias y coordinar un mitin en un parque de la ciudad. Los voluntarios comienzan a repartir volantes y a organizarse para defender estas causas como ocurrieron durante el Movimiento Chicano de la década de 1960. Para ello tendrán el apoyo de un centro comunitario llamado Barrio Unido. En su artículo “La reconquista cinematográfica: Orígenes y desarrollo del cine chicano” el escritor David R. Maciel afirma que en la representación de este tipo de movimientos sociales recae la función del cine chicano: 

El arte fílmico chicano debe ser claro en sus denuncias contra brutalidades actuales y     pasadas e ir más allá: atender las necesidades del a comunidad.  (61)

Otra característica del cine chicano representada en Raíces de sangre son los diálogos bilingües de los personajes. El uso del inglés y español está presente en todo momento. Este aspecto no se limita a los diálogos pues incluso, en la puesta en escena o mise en scéne del interior del local de Barrio Unido apreciamos simbología chicana a través de carteles propagandistas en ambos idiomas. Como símbolos de inspiración y lucha observamos carteles en las paredes en español e inglés con gran referencia al Movimiento Chicano y la Revolución Mexicana. Además, se suman expresiones comunes utilizadas en barrios mexicanoamericanos en los Estados Unidos. Sobre ello Maciel dice que:

La cinematografía chicana no puede ser evaluada solamente en términos estéticos sino también como resultado de un florecimiento intelectual orientado a recuperar las raíces culturales de la población chicana. (61)

El clímax de Raíces de sangre tendrá lugar en el parque del poblado de Socorro, donde enviados de la compañía Morris apoyados por las mismas autoridades locales, reprimen con violencia el evento comunitario de los trabajadores y sus familias. Las agresiones se ven respaldadas por las autoridades locales del poblado. Este tipo de imágenes sobre la represión de causas sociales las podemos apreciar en cintas más recientes como César Chávez (2014) de Diego Luna. Sin embargo, también podemos rescatar varios matices de la icónica película Salt of the Earth (1954) de Herbert Biberman donde mineros de Nuevo México sufren injusticias y agresiones mientras organizan una huelga. Sobre la evolución y el futuro del cine chicano el propio Jesús Salvador Treviño dice que: 
Estamos viendo cine hecho por una nueva generación de jóvenes, hombres y mujeres, que están haciendo su propio cine independiente. Lo que queda por ver es si este cine tendrá una voz crítica y social dedicada a nuestros pueblos o perderse en el universo de Hollywood. (Treviño, 2025)

Raíces de sangre es una obra fundamental en la historia del cine chicano. Al igual que previos documentales y obras de teatro, la resistencia ante injusticias sociales en las comunidades mexicoamericanas es el eje central de la película. Esta será una de las grandes bases primordiales del cine chicano para después ofrecer un mayor potencial temático en el futuro de este género. Sin embargo, no deja al lado la tragedia y el drama de los inmigrantes que se atreven a poner sus vidas en las manos de los coyotes. Debemos de recalcar que el tema del fenómeno migratorio es una de las principales vertientes de Raíces de sangre. Tanto es así que, la cinta comienza y termina proyectando las trágicas consecuencias de la inmigración indocumentada. 

Obras citadas

César Chávez. Dir. Diego Luna. Perf. Michael Peña, América Ferrara. Lionsgate Films. 2014. 

Maciel, David. R. Orígenes y desarrollo del cine chicano. La reconquista cinematográfica;
ISSN:1405-3918; Año: 1998; Volumen: 3; Número: 11.

Raíces de sangre. Dir. Jesus Salvador Trevino. Perf. Richard Yniguez, Pepe Serna. Conacine.     1976. 

Salt of the Earth. Dir. Herbert Biberman. Perf. Rosaura Revueltas, Will Geer. Independent  
Productions. 1954.

Treviño, Jesús Salvador. 2025. Entrevista virtual 4 de abril. Phoenix, Arizona.

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Por Juan Villa 

La película Vidas errantes de Juan Antonio de la Riva cumple cuatro décadas de su realización y es pertinente destacar el legado de este filme en la memoria colectiva del espectador mexicano: la representación de la vida de una región.  Una película que al igual que los cuentos de Juan Rulfo nos hace sentir, oler la tierra, la madera y el humo de nuestras comunidades rurales. La voluntad de Juan Antonio de la Riva es realizar un cine de carácter local, pero con relevancia internacional. Es decir, mientras Hollywood a través de los años ha utilizado las regiones del estado de Durango como escenarios del género Western, De la Riva proyecta a su gente y a sus costumbres a una plataforma mundial.

Los matices del cine con exhibiciones en comunidades rurales los habíamos presenciado en otros filmes. El espíritu de la colmena (1973) de Víctor Erice sería una de ellas, sin embargo, Vidas errantes es precursor de otros proyectos venideros. No solo es la cotidianidad de las familias en las zonas rurales, Vidas errantes irradia nostalgias y complicidades de buenas causas que después observaríamos en la película italiana Cinema Paradiso (1988) de Giuseppe Tornatore o incluso en proyectos recientes como La contadora de películas (2023) de Lone Scherfig.

Vidas errantes narra la vida de Francisco, interpretado por el experimentado actor José Carlos Ruíz. Francisco y su ayudante Guillermo recorren en una vieja camioneta pick-up Chevrolet varios poblados de la sierra exhibiendo películas en cines improvisados, algunas de ellas pertenecientes a la Época de Oro del cine mexicano. La ilusión de estos personajes es  juntar dinero para establecer un cine en las afueras de un pueblo. Para lograrlo tendrán que trabajar duro y soportar el frío de la sierra de Durango y en ocasiones esperar más de lo debido para tramitar el permiso correspondiente para exhibir sus películas. La esperanza es construir un cine en un sitio permanente “un lugar para instalar sus sueños”. Ese es el sueño de Francisco y tiene nombre: Cine Analco. 

Francisco encuentra su libertad al exhibir las películas: “andando en estos lugares no tiene uno que darle cuentas a nadie”.  Estuvo en el ejército mexicano, pero se sentía en un mundo limitado. Disfruta su felicidad, su tristeza y su soledad instalando su proyector de cine. Monta y desmonta los carretes con las cintas de cine, las bocinas y las mantas en las paredes para su proyección. No se trata de un trabajo pasajero sino más bien de un digno oficio. Las pequeñas comunidades de la sierra acuden al llamado para ver las películas. Desahogan sus largas jornadas laborales viendo cine al final del día. El cine es un entretenimiento familiar al alcance de todos.

En la trama se desarrolla una silenciosa historia de amor, el proyector de cine y los carteles de viejas películas serán testigos de ello.  Hay limitaciones económicas en el entorno de los personajes de Vidas errantes, pero también hay ilusiones y esperanzas. Habrá que vencer retos y calamidades para lograr sus objetivos. Cine Analco se convertirá en cenizas antes de volver a levantarse. ​

Juan Villa es periodista e investigador de cine y literatura de la frontera. Su trayectoria  incluye radio, prensa escrita y televisión. Cuenta con estudios de doctorado y Maestría en español de la Universidad Estatal de Arizona (ASU). También es egresado de la Escuela de Periodismo Walter Cronkite (ASU). Es autor del libro Coyotes en el cine fronterizo (2011).


Enlace de una entrevista del autor con el cineasta Juan Antonio de la Riva (2015)

Por Juan Villa
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¿Cómo se puede analizar una película que retrata el cruce de inmigrantes de México a Estados Unidos en el 2025?  Al inicio del año, el gobierno de Estados Unidos lanzó una ráfaga de medidas antiinmigrantes que van desde operativos para detener y deportar a inmigrantes hasta una medida para impedir que los hijos de inmigrantes indocumentados que nazcan en Estados Unidos sean legítimamente reconocidos como ciudadanos norteamericanos. Además, el gobierno aprobó el envío de miles de soldados y equipo militar a la frontera para detener el flujo migratorio.
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Debido a estas nuevas dinámicas migratorias, el cruce de inmigrantes se redujo considerablemente en la primera parte del año 2025 pero han comenzado a aumentar las deportaciones. Una atmósfera de persecución e incertidumbre es notable en las comunidades latinas en todos los rincones del país. Esta nueva etapa en la historia de la migración en Los Estados Unidos nos hace contemplar la solidaridad que podríamos tener hacia los que cruzan de manera irregular, pues lo que ya viven aquí; están en el desamparo. 

Perpetuando los estereotipos del cine de la frontera, La ausencia del Edén (The Absence of Eden, 2023) del director Marco Perego comienza sus primeras escenas en un club nocturno de bailarinas exóticas. Las imágenes no ofrecen un referente conciso de la ciudad de los acontecimientos, podríamos deducir que se trata de un poblado cercano a la frontera. Ahí conocemos a Esmee, una bailarina exótica protagonizada por la actriz Zoe Saldaña. Esmee vive en una modesta vivienda con su abuela. Su entorno transmite miseria, desesperación y falta de oportunidades.  Una noche en el club nocturno mientras baila cadenciosamente mata a uno de sus clientes. Se trata de un miembro de una banda de narcotraficantes que intentaba abusar sexualmente de ella. Su única salida es cruzar a Estados Unidos lo antes posible. Pero antes, enfrentará nuevos retos en su odisea hacia el norte.

En búsqueda del equilibrio del drama, del lado fronterizo estadounidense nos presentan a Shipp, un principiante agente del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas (ICE, por sus siglas en inglés) de Estados Unidos, interpretado por el actor Garrett Hedlund. Shipp hace su trabajo y muestra cierta empatía por los inmigrantes incluso, llega a enamorarse de Yadira una joven latina y madre soltera. El personaje es interpretado por la actriz Adria Arjona. Las complejidades del drama comienzan a surgir cuando Shipp se da cuenta del verdadero trabajo que desempeña su enamorada. 

Esmee mientras tanto lucha por su vida y por su integridad física mientras trata de cruzar la frontera con un grupo de inmigrantes. Desconoce los niveles de maldad de los coyotes.  De nueva cuenta, se defiende para no ser abusada sexualmente, es amenazada constantemente, cuida a una niña menor que estuvo a punto de ser violada y se convierte en su protectora. Esmee no sabe que tendrá que trabajar para los coyotes vendiendo drogas en un hotel por un tiempo indeterminado, de ello depende la vida de la menor.

En esta película no se destaca específicamente la labor de la Patrulla Fronteriza (Border Patrol) como ocurre en otros proyectos similares. Más bien, se enfoca en las tareas de la agencia ICE creada después de los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001 en Estados Unidos. Esta agencia policial goza de gran protagonismo en la película pues se muestran constantemente sus entrenamientos, sus operativos y modos de trabajo.

Los coyotes muestran su maldad en todo momento. Cruzar a los inmigrantes por el desierto es solo la primera parte de su plan. La extorsión vendrá una vez que los trasladen al lado americano. En una de las escenas advierten directamente a sus víctimas sobre sus poderes casi celestiales: “cuando el diablo desciende a la tierra se transforma en un coyote”.  De esa manera, los coyotes desarrollan nuevos niveles de violencia para poder controlar el tráfico de drogas, extorsiones y la trata de personas.  

The Absence of Eden muestra algunos rasgos de otros proyectos fílmicos que retratan el drama de los inmigrantes al cruzar la frontera. Algunas semejanzas las podemos notar en proyectos como El norte (1984) de Gregory Nava o incluso, Malditos Polleros (1985) de Raúl Ramírez. En ellos vemos que la violencia y la falta de oportunidades tanto en México como en Guatemala, obliga a los migrantes a cruzar a Estados Unidos y sufrir el calvario con los traficantes de inmigrantes. Es un renovado proyecto fílmico donde los inmigrantes se ven atrapados en un callejón sin salida.  El pago a los coyotes por cruzar no es suficiente. Habrá que someterse a otros sacrificios para poder seguir viviendo. The Absense of Eden llega en un momento en que el fenómeno migratorio adquiere otras dimensiones.

Juan Villa es periodista e investigador de cine y literatura de la frontera. Su trayectoria  incluye radio, prensa escrita y televisión. Cuenta con estudios de doctorado y Maestría en español de la Universidad Estatal de Arizona (ASU). También es egresado de la Escuela de Periodismo Walter Cronkite (ASU). Es autor del libro Coyotes en el cine fronterizo (2011).

Avances de The Absence of Eden (2023)

Por Alfredo Hernández

Es posible que hayas escuchado sobre el pueblo de Allende en Coahuila a través de las noticias, pero es muy probable que no sepas a qué me refiero. Hasta hace unos días yo no tenía idea alguna de la masacre que había ocurrido en este lugar a manos del cártel Los Zetas. Esto se debe a que el gobierno mexicano ha tratado de ocultar lo sucedido en Allende. Me sorprende el hecho que las autoridades estadounidenses hayan culpado tanto al Z-40 (Miguel Treviño Morales) como al Z-42 (Omar Treviño Morales) por la masacre ocurrida en este pueblo. Sin embargo, las autoridades mexicanas no los han culpado sobre ese crimen cometido. Este último dato me causa impacto, mas no me sorprende ya que a través de la historia la misma policía mexicana se ha visto involucrada con el narcotráfico. Pero no quiero hablar sobre la corrupción policiaca en México, sino que es recomendable un serie el cual postula de manera interesante de la representación de la matanza en Allende, a la serie que me refiero es Somos.

Me topé con esta serie hace un par de semanas cuando leía un artículo publicado por Cine Coolto titulado “Somos: los verdaderos protagonistas de la historia”. Me llamó la atención que hubiera una serie ficticia con elementos históricos no tan populares sobre el narcotráfico, ya que últimamente he estado viendo documentales sobre el tema. Somos, es una serie original de Netflix, creada por James Schamus, dirigida por Álvaro Curiel y Mariana Chenillo y con guion de Monika Revilla. Se compone de seis episodios que narran los acontecimientos sucedidos en el pueblo de Allende. Cada episodio se adentra en las vidas cotidianas de los personajes. Al final, como espectadores nos enteramos que serán las víctimas de una masacre. Al adentrarse a la vida cotidiana de los personajes, se les da un nombre, una identidad a las víctimas. Cuando se habla del narcotráfico siempre se habla de estadísticas, los muertos son solo números, dejan de ser familiares, amigos, parejas o conocidos. El propósito de esta serie es dar visibilidad a aquellas personas que desaparecieron durante la masacre de Allende.

El nombre que le dan a esta serie es muy pertinente porque engloba dos cosas; como pueblo mexicano somos cómplices ya sea implícita o explícitamente del narcotráfico, esto ya sea porque conocemos a alguien que vende o consume drogas. Por otro lado, como comunidad somos víctimas de la violencia ocasionada por la Guerra contra el narcotráfico de Felipe Calderón o las guerras entre cárteles por el control de plazas. Pareciera que no tenemos escapatoria como pueblo mexicano de este problema.

La serie parte de las investigaciones hechas por la reportera Ginger Thompson* ganadora del Pulitzer y por Segio Arguayo Quezada**. Hay diferentes elementos fidedignos que parten de testimonios de familiares que fueron afectados por el narcotráfico. En las investigaciones los eventos no son cronológicos, se componen de anécdotas de los familiares de las víctimas. Sin embargo, a través de la serie estos eventos se plantean de manera cronológica creando una narrativa fácil de seguir para el espectador. Elementos como: el involucramiento de la policía con el narcotráfico, la culpabilidad de la DEA en la masacre, los motivos que llevaron a que la masacre ocurriera. Popr el contrario, se presentan las víctimas: los bomberos, veterinarios, rancheros, familias enteras, destrucción de casas y secuestros de personas.

Somos es una serie que nos representa. Que resalta a un pueblo vulnerable, en la cual los sistemas de protección son cómplices de la violencia que se desata en México. Somos les da voz a las víctimas de tan horrenda masacre. De igual manera, Somos hace una denuncia y devela una masacre que parece ser olvidada.

*“How the U.S. Triggered a Massacre in México” https://www.propublica.org/article/allende-zetas-cartel-massacre-and-the-us-dea
**“Desamparo: Los Zetas, el Estado, la sociedad y las víctimas de San Fernando, Tamaulipas (2010), y Allende Coahuila (2011)” (2016).