Por Alfredo Hernández

Es posible que hayas escuchado sobre el pueblo de Allende en Coahuila a través de las noticias, pero es muy probable que no sepas a qué me refiero. Hasta hace unos días yo no tenía idea alguna de la masacre que había ocurrido en este lugar a manos del cártel Los Zetas. Esto se debe a que el gobierno mexicano ha tratado de ocultar lo sucedido en Allende. Me sorprende el hecho que las autoridades estadounidenses hayan culpado tanto al Z-40 (Miguel Treviño Morales) como al Z-42 (Omar Treviño Morales) por la masacre ocurrida en este pueblo. Sin embargo, las autoridades mexicanas no los han culpado sobre ese crimen cometido. Este último dato me causa impacto, mas no me sorprende ya que a través de la historia la misma policía mexicana se ha visto involucrada con el narcotráfico. Pero no quiero hablar sobre la corrupción policiaca en México, sino que es recomendable un serie el cual postula de manera interesante de la representación de la matanza en Allende, a la serie que me refiero es Somos.

Me topé con esta serie hace un par de semanas cuando leía un artículo publicado por Cine Coolto titulado “Somos: los verdaderos protagonistas de la historia”. Me llamó la atención que hubiera una serie ficticia con elementos históricos no tan populares sobre el narcotráfico, ya que últimamente he estado viendo documentales sobre el tema. Somos, es una serie original de Netflix, creada por James Schamus, dirigida por Álvaro Curiel y Mariana Chenillo y con guion de Monika Revilla. Se compone de seis episodios que narran los acontecimientos sucedidos en el pueblo de Allende. Cada episodio se adentra en las vidas cotidianas de los personajes. Al final, como espectadores nos enteramos que serán las víctimas de una masacre. Al adentrarse a la vida cotidiana de los personajes, se les da un nombre, una identidad a las víctimas. Cuando se habla del narcotráfico siempre se habla de estadísticas, los muertos son solo números, dejan de ser familiares, amigos, parejas o conocidos. El propósito de esta serie es dar visibilidad a aquellas personas que desaparecieron durante la masacre de Allende.

El nombre que le dan a esta serie es muy pertinente porque engloba dos cosas; como pueblo mexicano somos cómplices ya sea implícita o explícitamente del narcotráfico, esto ya sea porque conocemos a alguien que vende o consume drogas. Por otro lado, como comunidad somos víctimas de la violencia ocasionada por la Guerra contra el narcotráfico de Felipe Calderón o las guerras entre cárteles por el control de plazas. Pareciera que no tenemos escapatoria como pueblo mexicano de este problema.

La serie parte de las investigaciones hechas por la reportera Ginger Thompson* ganadora del Pulitzer y por Segio Arguayo Quezada**. Hay diferentes elementos fidedignos que parten de testimonios de familiares que fueron afectados por el narcotráfico. En las investigaciones los eventos no son cronológicos, se componen de anécdotas de los familiares de las víctimas. Sin embargo, a través de la serie estos eventos se plantean de manera cronológica creando una narrativa fácil de seguir para el espectador. Elementos como: el involucramiento de la policía con el narcotráfico, la culpabilidad de la DEA en la masacre, los motivos que llevaron a que la masacre ocurriera. Popr el contrario, se presentan las víctimas: los bomberos, veterinarios, rancheros, familias enteras, destrucción de casas y secuestros de personas.

Somos es una serie que nos representa. Que resalta a un pueblo vulnerable, en la cual los sistemas de protección son cómplices de la violencia que se desata en México. Somos les da voz a las víctimas de tan horrenda masacre. De igual manera, Somos hace una denuncia y devela una masacre que parece ser olvidada.

*“How the U.S. Triggered a Massacre in México” https://www.propublica.org/article/allende-zetas-cartel-massacre-and-the-us-dea
**“Desamparo: Los Zetas, el Estado, la sociedad y las víctimas de San Fernando, Tamaulipas (2010), y Allende Coahuila (2011)” (2016).

Por Alfredo Herrnández

    Cuando primero recibí el puesto de editor en esta revista se me pidió que buscara información sobre la pandemia en el cine latinoamericano. En mi búsqueda sobresalieron dos filmes; Infección (2019) del venezolano Flavio Pedota, quien retoma la trama del apocalipsis de zombi para retratar la incompetencia gubernamental en tiempos de crisis, y la cinta Murciélagos (2020) filmada y producida durante la cuarentena en Argentina. Esta película relata la vida de diferentes individuos en confinamiento social tratando de sobrevivir la pandemia. Para poder crear un escenario más fidedigno, la película es grabada en primera persona, parece que los actores son los mismos camarógrafos debido a que se mimetizan video llamadas en teléfonos o en computadoras. Esta técnica cinematográfica fue establecida por el género de horror en filmes como El proyecto de la bruja de Blair (1991), Actividad Paranormal (2007), Rec (2007) o más recientemente Unfriended (2014). Entonces, hay una relación entre esta técnica y el género del horror, esto puede explicar una estética en el cine hecho durante esta época de pandemia el cual plasma el horror presente en la vida diaria de todos nosotros durante esta cuarentena. Es por esto, que me gustaría recomendar el seriado Social Distance producido por Netflix a todos aquellos que leen estas palabras.

    Me gustaría plantear que lo que estamos viviendo hoy en día ha quebrantado con el imaginario que teníamos sobre las pandemias establecidas por el cine de Hollywood. El horror en esas películas por lo general se da en los elementos gore, en el constante intento de supervivencia en un mundo caótico, apocalíptico asechado por zombis. Aunque durante esta pandemia se ha demostrado que las personas están en una constante batalla de supervivencia, este acontecimiento ha develado que el horror en sí se manifiesta en nuestras vivencias diarias dentro del confinamiento social. El constante temor a estar infectado, el desempleo, morir solo en un hospital, el alejamiento de seres queridos, el alcoholismo o la soledad se han vuelto un horror que se ha adentrado en nuestras vidas. Para que estos eventos cobren valor horrífico tienen que ser visto a través del televisor, es decir, cada uno de nosotros estamos enfrentándonos a diferentes problemas ocasionados por la pandemia, pero se han vuelto una rutina y no se presentan como problemas, al contrario, son vistos como una norma de la vida actual. Sin embargo, al verlo a través de la pantalla se exteriorizan estos problemas que enfrentamos y nos puede generar un shock. Este shock se genera al ver el seriado Social Distance.

    Social Distance se compone de ocho episodios diferentes y cada uno retoma una vivencia y una perspectiva diferente sobre la pandemia. Es necesario resaltar dos cosas sobre este seriado; primero, hay una diversidad multicultural, hay personajes no solo de diferentes culturas, sino también hay diversidad racial, de edad y género. Segundo, los personajes son de clase social media y media alta, es necesario que los personajes tengan esta posición social para facilitar el uso de las tecnologías como herramientas cinematográficas. Al usar esta diversidad ya se plantea un rompimiento con el tipo de personajes en películas de Hollywood sobre pandemias. Aunque cada episodio se desenvuelve de manera diferente, todos los episodios se centran en resaltar los diferentes efectos psicológicos y las diferentes problemáticas que cada individuo o familias están enfrentando durante la pandemia.

     El primer episodio titulado “Delete all future events” adentra al espectador a la vida de un barbero el cual ha perdido su negocio y se encuentra en un encierro que lo ha llevado a la soledad y al alcoholismo. La primera toma adentra al espectador a una pantalla de video llamada donde hay muchas personas escuchando hablar al personaje principal Ike (Mike Colter), de ahí, hay una focalización a Ike y el espectador se da cuenta que la toma es hecha por la cámara de una computadora. Es a partir de ahí que el espectador se adentra a la vida de este personaje a través de videollamadas, ya que todo tipo de comunicación entre Ike y sus amigos es a través de dispositivos electrónicos. Es mediante esta técnica cinematográfica que el espectador puede experimentar el horror en el que vive el personaje; la soledad y su batalla con el alcoholismo, así, exteriorizando la vida del mismo espectador que se puede ver identificado con la vida del personaje.

    El seriado es bueno en cuestiones estéticas ya que se implementan nuevas tecnologías como vías de interacción entre los personajes y el espectador para mimetizar la realidad que estamos viviendo. Los personajes se comunican a través de plataformas como Zoom, Instagram, sistemas de vigilancia como Wyze o Nest, y son estas tecnologías que son incorporadas para ver el mundo fuera de nuestro confinamiento, pero dentro del confinamiento de otras personas. 

    Puedo tomarme el tiempo y explicar cada episodio, pero estas explicaciones no generarían el sentimiento de afecto que ocasiona el seriado al verlo. Pero puedo mencionar que cada episodio de veinte minutos logra dar un panorama de algunos problemas que todos o casi todos estamos viviendo o hemos vivido durante la cuarentena; la muerte de un familiar y no poder hacer un funeral digno, el tener que trabajar y no saber con quién dejar a nuestros hijos, el presenciar el COVID-19 en una persona amada y no saber cómo decírselo a tu hijo, conflictos de ideas entre parejas o jefes en el trabajo. Cada uno de estos episodios toma un valor artístico por el uso de dispositivos electrónicos, la tecnología se vuelve nuestro aliado (en cuestiones de trabajo, de entretenimiento o satisfacer deseos de consumo), pero al mismo tiempo se vuelve cómplice de nuestras tragedias que ha generado COVID-19. La herramienta cinematográfica que han usado los directores del género de terror es retomada por los directores en cada episodio de este seriado para plasmar un horror diferente, el cual está en nuestras propias vidas la cual ha sido afectada implícitamente o explícitamente por esta pandemia. 

Trailer:

La negrada (2014)

Por Alfredo Hernández


La negrada/ sust.,f.,Costa Chica, Mex./ Término que los negros se aplican a sí mismos, surgió del disgusto que les produjo y produce el descalificativo racial. 


    Mientras miraba el filme La negrada (2018) de Jorge Pérez Solano reflexioné sobre mis prejuicios peyorativos hacia las personas de piel negra. Pese a que soy de Veracruz donde muchos esclavos descendieron de barcos, donde gran parte de la población tiene ascendencia negra, y donde aconteció la primera rebelión de esclavos que creó la primera comunidad negra libre en las Américas, lo negro era visto como otredad. Las aprensiones que había tenido desde niño se habían impregnado en mí implícitamente mediante canciones, comentarios de amigos, vecinos o familiares y representaciones negativas de la negritud en la televisión. 


    Cuando era niño viví con mis abuelos un par de años en un pueblo a las afueras de Veracruz. En este pueblo todas las personas desde pequeños eran bautizadas con un apodo. El apodo se basaba en características físicas o acciones que uno había hecho. Por ejemplo, había un joven que tenía el pelo largo y recibió el apodo de Caprice como la marca del champú, a otro le decían el armadillo porque tenía los ojos rasgados como el animal. En mi caso, me apodaron El negro macizo, el nombre no me asentó muy bien y me hizo llorar. Enojado le conté a mi abuela sobre el disgusto de ese apodo. Mi abuela me miró y me dijo “no seas tonto mijo, macizo es una persona fuerte, deberías de estar orgulloso de ese apodo”, siendo un niño la descripción de fuerte era un halago, sin embargo, el disgusto del nombre no era el adjetivo descriptivo macizo, sino la incorporación de la palabra negro. Yo me miraba al espejo y sabía que no era negro. Yo era moreno, pero el nombre que había recibido quizá fue porque a mi madre la bautizaron con el apodo de La negrona. De nueve hijos que tuvieron mis abuelos, mi madre fue quien nació con la piel más oscura. Aunque mi abuela me dijo que estuviera orgulloso de mi apodo por ser macizo, nunca mencionó la parte de lo negro dentro del apodo. No podía estar orgulloso de ese apodo cuando todo lo que se relacionaba a lo negro era un insulto o burla.   


    Recuerdo que cuando los niños del pueblo se burlaban de mí cantaban el coro de la canción “Negrito sandía” por Cri-Cri. En la televisión aparecía Johny Laboriel siendo la burla de todos, exageraba sus labios y todos corrían cuando iba a dar un beso. En los puestos de revistas veía las portadas de la revista de Memín Pinguín, un personaje negro con características físicas exageradas. Recuerdo comentarios de miembros de mi familia o de la comunidad como; “cásate con una güerita para mejorar la raza”, regaños despectivos como “pinche negro o pinche indio”. Si todo lo que vemos o escuchamos nos forja como personas, nuestra realidad se construye mediante estereotipos y prejuicios peyorativos hacia ciertas personas, por lo tanto, como persona, uno no quiere ser relacionado con ese específico grupo de gente. Mi enojo hacia el apodo no surgía por un odio a lo negro, sino que todo lo que había aprendido sobre lo negro era negativo, por eso no quería ser relacionado a ello.

    La única referencia fílmica sobre la negritud en México que tenía antes de ver La negrada era la película Angelitos negros por Joselito Rodríguez, protagonizada por Pedro Infante. Aunque el filme es de 1948 aborda el tema racial. La aproximación del filme desde una perspectiva superficial es buena. La narrativa ayuda a la humanización de los personajes negros, el melodrama facilita que el espectador se sienta relacionado con los personajes que son discriminados, pero esta relación solo es posible por el amor entre padres e hijos. Sin embargo, lo negro se presenta como otredad. Los personajes negros tienen trabajo de niñeras o sirvientes, son bailarines exóticos, hablan “diferente” (un acento muy marcado de las zonas costeras o acento cubano) y están dispuestos a sacrificar su felicidad para que otras personas puedan ser felices (el amor de madre). Además, la humanización de los personajes negros se da a través del personaje de Pedro Infante. Las acciones y comentarios de su personaje facilitan a que haya una conexión entre el espectador y los personajes. La representación de la negritud desde la postura del espectador se acepta mediante la representación de binarios, es decir, existe lo bueno, el sacrificio de la nana al ocultar la verdad a su hija y lo malo, el desprecio de Ana Luisa hacia su hija por ser negra. Es el valor melodramático que crea empatía entre el espectador y los personajes.

     Si el filme Angelitos Negros tiene el propósito de empezar una discusión sobre la negritud en México esa conversación es fallida ya que se mantienen vivos los estereotipos sobre la negritud. Se resalta que están presentes dentro de la sociedad mexicana, pero su presencia no es normalizada ya que son puestos en segundo plano. Diferente a Angelitos Negros, La negrada es el primer filme mexicano con narrativa ficticia donde todos los personajes son negros. El filme no solo visibiliza la negritud en México, sino que halaga y normaliza el color de piel negra.   

    El filme fue realizado en la Costa Chica de Oaxaca donde gran parte de la población se compone de Afro Mexicanos. El filme aborda el tema del queridato; el cuál es la normalización cultural de tener dos parejas, la esposa y la querida. Aunque este tema puede ser interpretado como un estereotipo de la cultura afromexicana, es importante tomar en cuenta que dentro de la cultura mexicana (y otras culturas) el queridato es algo común. Por consiguiente, al abordar este tema, es una representación de la cultura mexicana (o diferentes culturas) en general, y no algo específico hacia una cultura racial como es presentado en un artículo publicado en la página Afrodecendencias. El filme se desenvuelve en la presentación del triángulo amoroso entre Neri (Felipe Neri Acevedo Corcuera), Juana (Juana Mariche Domínguez) y Magdalena (Magdalena Soriano). La narrativa se desprende de los últimos días de vida de Juana quien tiene problemas de riñón y se niega a aceptar el riñón de Magdalena por cuestiones de orgullo. A partir de este evento el espectador tiene la función de relacionar los diferentes personajes haciendo las preguntas; ¿quiénes son? y ¿cómo se relacionan el uno con el otro? 

    Aunque el filme aborda el tema del queridato a través de la narrativa, esta pasa a segundo plano en mi opinión. Para entender la función y relación entre los personajes es necesario poner atención a los diálogos, sin embargo, el diálogo en el filme es forzado. Los actores son primerizos y el seguimiento a un guion lleva a que se pierda la naturaleza interactiva entre los personajes. Los diálogos se vuelven mecánicos ya que parecen ser leídos, así presentando las interacciones entre personajes como algo forzado. Pese a esto, el filme se compensa con la estética cinematográfica.   

    El filme adentra al espectador a la cotidianidad de los personajes dividiéndolo en diferentes episodios; cada episodio pertenece a un día de la semana. De esta manera trazan la vida de los personajes desde que amanece hasta que oscurece. Mediante la presentación cotidiana, el espectador se emerge a las interacciones de los personajes; sus frustraciones, sus pesares, sus sueños, su labor, su ocio, sus tradiciones religiosas y vivencias discriminatorias. Al usar esta herramienta Solano crea una conexión entre espectador y personaje rompiendo con la barrera de otredad que se ha presentado a través de la historia sobre negritud.

    El filme se compone de un mosaico fotográfico el cual ayuda al espectador no solo a visibilizar la negritud en México sino apreciarla como elemento cultural. Las diferentes tomas parecen fotografías las cuales acentúan las características físicas de los personajes y estas se asemejan con la naturaleza de la región. Cada toma es de primer plano y plasma a los personajes como centros de atención. Se incorporan cuerpos de piel blanca como no pertenecientes al espacio de los personajes. Los cuerpos blancos son turistas o policías que discriminan. La variación lingüística no se exagera, así, creando una naturalidad en ella. El filme contiene transiciones culturales basadas en dichos, cánticos y poemas que exaltan la belleza y cultura negra de la región. El filme puede ser visto como un principio de palimpsesto histórico del ser mexicano. Al presentar a personajes de piel negra se deconstruye el imaginario mexicano de la raza cósmica de José Vasconcelos. El filme le da vida y presencia a un grupo marginado el cual ha sido no solamente olvidado del discurso nacionalista, sino que se ha presentado como otredad dentro de la sociedad mexicana. Aunque el filme en su totalidad no es una obra maestra que va marcar la historia representativa de la negritud en la sociedad mexicana, es importante resaltar que este largometraje tiene la función de generar una conversación sobre el tema. 

    La representación racial, étnica o de clase social es muy importante. Si como personas nos vemos representados de manera positiva en la pantalla, hay una gran probabilidad de que nos aceptemos como personas y aceptemos nuestros orígenes. Estas representaciones son de suma importancia para visibilizar aquellos individuos olvidados por la historia. Si todo lo que me rodeaba y ayudaba a construir mi percepción de la realidad hubiera tenido una imagen positiva de la negritud, quizá hubiera portado con orgullo aquel apodo con el que fui bautizado. 

Las siguientes imágenes son capturas de pantallas al azar del filme, cada una es un ejemplo del mosaico fotográfico que conforma este filme.